Zapraszamy na cykl wydarzeń "Sztuka i kultura w Zajadaczu"
Co hurtownia elektryczna taka jak Zajadacz ma wspólnego ze sztuką i kulturą?
Odpowiedź jest prosta: kultura łączy ludzi - i właśnie to chcemy ożywić dzięki naszemu zróżnicowanemu programowi. Regularnie tworzymy wyjątkowe chwile dla naszych pracowników i zainteresowanych stron: inspirujące wystawy sztuki, poruszające wieczory filmowe czy porywające koncerty - każde wydarzenie zaprasza do wspólnego odkrywania, zabawy i wymiany pomysłów. W zależności od wydarzenia, serdecznie zapraszamy do wzięcia w nim udziału.
Więcej informacji można znaleźć w naszych czasopismach. Oto nasze poprzednie wydarzenia!
10
.
06
2026
Wystawa Christiane Leptien
„Z troską o ludzi”
Głównym tematem twórczej refleksji Christiane Leptien nad światem jest człowiek. Znajduje to wyraz w jej aktualnej wystawie w galerii Zajadacz, zatytułowanej „Den Menschen im Blick”.
Ona sama mówi:
Fascynują mnie twarze, emocje, które poruszają mnie bezpośrednio, migawki – ta idealna niedoskonałość uchwycona w jednej chwili. Poszukując czegoś prawdziwego, czegoś autentycznego, często maluję fragmenty bliskich mi chwil, powiększam kadr, ukazując jedynie szczegóły. Obrazy stają się wizualnymi uściskami.
Każdy obraz Christiane Leptien prezentowany na wystawie został namalowany farbą akrylową na płótnie. Niektóre z jej prac pochodzą jeszcze z 2014 roku, podczas gdy inne powstały w bieżącym roku.
-
Christiane Leptien (ur. w 1964 r. w Hamburgu)
Christiane Leptien jest terapeutką Gestalt i artystką. Oprócz prowadzenia własnej pracowni w Geesthacht od początku lat 90. bierze udział w różnych wystawach i projektach – zarówno w kraju, jak i za granicą, we Francji i na Węgrzech. Od 1993 roku prezentuje swoje prace również na wystawach indywidualnych w całych Niemczech, ostatnio w pałacu w Reinbek i w pałacu w Bergedorfie.
W 2022 roku wzięła udział w projekcie „Perspektivwechsel”, który miał na celu przeciwdziałanie nienawiści i przemocy i został zaprezentowany w Miejscu Pamięci Obozu Koncentracyjnego w Ahrensbök. Projekt ten został nominowany do Nagrody Pokojowej im. Olofa Palme’a w 2023 roku. Kolejnym godnym uwagi projektem, którego kierownictwo przejęła, był realizowany w latach 2022–2025 projekt pod nazwą „Malen für Menschen mit Fluchterfahrung” („Malowanie dla osób z doświadczeniem uchodźczym”), który w 2024 roku został wyróżniony nagrodą Fundacji Herzogtum Lauenburg.
Oprócz projektów realizowanych w szkołach Christiane Leptien pracowała również przez cztery lata jako terapeutka sztuki w placówce opiekuńczej.
W sobotę 18 kwietnia ponad 120 gości miało okazję cieszyć się bogatym programem, w którym znalazły się występy wywołujące uśmiech i skłaniające do refleksji. Oprócz występu młodej muzyczki i znanego komika, swoje utwory poetyckie zaprezentowały dwie odnoszące sukcesy, elokwentne artystki.
Bardzo ucieszyła nas reakcja na to wydarzenie. Również goście z zewnątrz byli nim zachwyceni.
Dziękujemy wszystkim gościom za liczne przybycie, wspólną zabawę i wspaniałą wymianę poglądów.
Serdeczne podziękowania kierujemy do zespołu logistycznego, który w sobotę pomagał w przygotowaniach i bez którego ten wieczór nie doszedłby do skutku.
W ramach wystawy zbiorowej „Lebensraum” autorstwa Lori Sommeri Jonną Tuchtfeldtw marcu 2026 roku zorganizowaliśmy już drugi wernisaż w naszej siedzibie głównej.
Oboje studiują ilustrację na HAW w Hamburgu i z okazji wernisażu, w obecności rodziny, przyjaciół oraz pracowników Zajadacza, otworzyli swoją wystawę.
Wystawa „Lebensraum” prezentuje serię prac rysowanych tradycyjnie i malowanych pigmentami, inspirowanych kształtami roślin, fakturami powierzchni, ruchem i przemianami zachodzącymi w naturze. Dzięki dbałości artystek o szczegóły natura stanowi dla nich nie tylko motyw, ale także złożoną przestrzeń życiową, w którą włączony jest człowiek.
W procesie twórczym starają się uwidocznić tę więź. Liść, owad czy krajobraz stają się punktem wyjścia do głębszej refleksji nad naszym otoczeniem. Chociaż nasze prace charakteryzują się różnymi stylami, łączy nas wspólne zainteresowanie. Osobista perspektywa i ekspresja artystyczna mogą tu współistnieć.
Praca ta jest celowo analogowa. Bezpośredni kontakt dłoni z papierem i materiałem stanowi istotną część jej procesu twórczego. Każdy pociągnięcie pozostaje widoczne i ukazuje, jak powstaje rysunek lub obraz. Taki sposób pracy pozwala na powolne zbliżanie się do motywów i pozostawia miejsce na obserwację.
Wystawa ta jest efektem wspólnej pracy. Prezentuje ona dwie artystyczne perspektywy, które wyrosły z podobnej fascynacji naturą i środowiskami naturalnymi. Prace obu artystek zachęcają do bliższego przyjrzenia się otoczeniu i bardziej świadomego dostrzegania jego różnorodności.
-
Jonna Tuchtfeldt (ona) (2004)
Jonna Tuchtsfeldt studiuje ilustrację w Hamburgu. Po dwóch semestrach studiów z zakresu projektowania komunikacji zdecydowała się na zmianę kierunku, ponieważ brakowało jej pracy analogowej i swobodnej. Od 2025 roku studiuje ilustrację na HAW w Hamburgu. Oprócz studiów zdobywa praktyczne doświadczenie jako graficzka w agencjach reklamowych oraz pracuje jako niezależna artystka i projektantka.
Wystawa „Lebensraum” prezentuje serię prac rysowanych tradycyjnie i malowanych pigmentami, inspirowanych kształtami roślin, fakturami powierzchni, ruchem i przemianami zachodzącymi w naturze. Dzięki dbałości artystek o szczegóły natura stanowi dla nich nie tylko motyw, ale także złożoną przestrzeń życiową, w którą włączony jest człowiek.
W procesie twórczym starają się uwidocznić tę więź. Liść, owad czy krajobraz stają się punktem wyjścia do głębszej refleksji nad naszym otoczeniem. Chociaż nasze prace charakteryzują się różnymi stylami, łączy nas wspólne zainteresowanie. Osobista perspektywa i ekspresja artystyczna mogą tu współistnieć.
Praca ta jest celowo analogowa. Bezpośredni kontakt dłoni z papierem i materiałem stanowi istotną część jej procesu twórczego. Każdy pociągnięcie pozostaje widoczne i ukazuje, jak powstaje rysunek lub obraz. Taki sposób pracy pozwala na powolne zbliżanie się do motywów i pozostawia miejsce na obserwację.
Wystawa ta jest efektem wspólnej pracy. Prezentuje ona dwie artystyczne perspektywy, które wyrosły z podobnej fascynacji naturą i środowiskami naturalnymi. Prace obu artystek zachęcają do bliższego przyjrzenia się otoczeniu i bardziej świadomego dostrzegania jego różnorodności.
-
Lori Sommer (ona/oni) (2004)
Lori Sommer urodziła się w 2004 roku w Berlinie i obecnie studiuje ilustrację na HAW w Hamburgu. Wcześniej spędziła semestr w Danii, gdzie zgłębiała różne techniki artystyczne i doskonaliła swoje umiejętności rysunkowe. Przed rozpoczęciem studiów nauczyła się w Berlinie techniki tatuażu, co wpłynęło na jej spojrzenie na prowadzenie linii, precyzję i trwałe ślady obrazu. Ponadto przez kilka lat prowadziła warsztaty dla dzieci i dorosłych w Malsalon Berlin, gdzie zdobywała doświadczenie w zakresie edukacji artystycznej. Oprócz innych wystaw zbiorowych w Danii i Berlinie, ostatnio prezentowała swoje prace w berlińskiej galerii Rosa Lux.
Dla Lori rysowanie ołówkiem na papierze stanowi podstawową formę wyrazu, choć chętnie pracuje również przy użyciu gwaszu i akwareli. Bezpośrednia praca z materiałami analogowymi pozwala jej nadać widzialną formę myślom i obserwacjom. Rysowanie postrzega również jako osobisty proces zmierzenia się z samym sobą i otoczeniem. W swoich pracach zajmuje się kluczowym pytaniem o to, jakie miejsce zajmuje człowiek w naturze i z czego jest stworzony. Jej zdaniem zbyt rzadko dostrzega się, że człowiek jest częścią natury. Zbyt często postrzega się go w oderwaniu od natury. Poprzez swoją sztukę pragnie przywrócić tę świadomość.
Co oznacza zrównoważony rozwój - dla firm, dla naszego społeczeństwa, dla każdego z nas?
17 Celów Zrównoważonego Rozwoju (SDGs) Organizacji Narodów Zjednoczonych dostarcza odpowiedzi, ale także rodzi wiele pytań.
Podczas kreatywnych warsztatów artystycznych pracownicy Zajadacza z różnych środowisk zawodowych i osobistych twórczo zgłębiali 10 wybranych celów ONZ.
Powstałe prace są tak różnorodne, jak same tematy: Pokazują osobiste podejście i korporacyjną odpowiedzialność. Abstrakcyjne lub konkretne, krytyczne lub pełne nadziei.
Podczas 3-godzinnych warsztatów muzycznych AI odkryliśmy fascynujący świat sztucznej inteligencji w produkcji muzycznej.
Wspólnie zanurzyliśmy się w możliwościach tego, jak sztuczna inteligencja może na nowo przemyśleć dźwięk, rytm i melodię!
Pod okiem doświadczonych ekspertów od muzyki AI eksperymentowaliśmy z narzędziami AI, aby skomponować własne utwory muzyczne. Niezależnie od tego, czy jest to rock, electro czy klasyka - nasze osobiste ścieżki dźwiękowe zostały stworzone!
Wszystko, co musieliśmy ze sobą zabrać, to ciekawość, otwarte ucho i chęć eksperymentowania z dźwiękiem.
Draußen Sein prezentuje serię prac ilustracyjnych, które zostały zrealizowane za pomocą malarstwa i różnych technik drukarskich, takich jak litografia, akwaforta i risografia. Na poziomie indywidualnym trzej artyści zajmują się przestrzenią natury i opowiadają o bardzo osobistych perspektywach na swojej wystawie.
Prace łączą przedstawienia ludzi i natury, a także natury w swobodnym i asocjacyjnym kontekście. Koncentrują się na doświadczaniu, tworzeniu i uchwyceniu nastrojów.
Wystawa zaprasza do zanurzenia się w uczucie przebywania na zewnątrz i odkrywania go z trzech indywidualnych perspektyw.
-
Marie Becker (ona/on) (*1998)
studiuje ilustrację na studiach magisterskich. Po ukończeniu studiów licencjackich z projektowania komunikacji na Uniwersytecie Nauk Stosowanych i Sztuki w Hanowerze, przeniosła się do HAW w Hamburgu. Podczas studiów uczęszczała do szkół artystycznych w Birmingham i Bolonii. Od 2023 roku pracuje również jako projektantka komunikacji.
Draußen Sein prezentuje serię prac ilustracyjnych, które zostały zrealizowane za pomocą malarstwa i różnych technik drukarskich, takich jak litografia, akwaforta i risografia. Na poziomie indywidualnym trzej artyści zajmują się przestrzenią natury i opowiadają o bardzo osobistych perspektywach na swojej wystawie.
Prace łączą przedstawienia ludzi i natury, a także natury w swobodnym i asocjacyjnym kontekście. Koncentrują się na doświadczaniu, tworzeniu i uchwyceniu nastrojów.
Wystawa zaprasza do zanurzenia się w uczucie przebywania na zewnątrz i odkrywania go z trzech indywidualnych perspektyw.
-
Julia Huber (ona/on) (*1997)
studiuje ilustrację w Hamburgu. Po ukończeniu państwowego szkolenia jako malarka porcelany w Königliche Porzellanmanufaktur Nymphenburg w Monachium, w 2021 roku rozpoczęła studia w zakresie projektowania komunikacji w Monachium. W 2023 roku przeniosła się do HAW Hamburg, aby studiować ilustrację. Podczas pobytu w Monachium pracowała jako niezależna tatuażystka i ilustratorka we wspólnym studiu artystycznym w Bahnwärter Thiel, co było możliwe dzięki stypendium. Od 2024 roku pracuje również jako projektantka graficzna.
Draußen Sein prezentuje serię prac ilustracyjnych, które zostały zrealizowane za pomocą malarstwa i różnych technik drukarskich, takich jak litografia, akwaforta i risografia. Na poziomie indywidualnym trzej artyści zajmują się przestrzenią natury i opowiadają o bardzo osobistych perspektywach na swojej wystawie.
Prace łączą przedstawienia ludzi i natury, a także natury w swobodnym i asocjacyjnym kontekście. Koncentrują się na doświadczaniu, tworzeniu i uchwyceniu nastrojów.
Wystawa zaprasza do zanurzenia się w uczucie przebywania na zewnątrz i odkrywania go z trzech indywidualnych perspektyw.
-
Johanna Beyer (ona/on) (*1998)
studiuje na kierunku Ilustracja na Uniwersytecie Nauk Stosowanych w Hamburgu (HAW), gdzie wcześniej ukończyła studia licencjackie na tym samym kierunku. Jej prace są tworzone głównie cyfrowo i stylistycznie wahają się między podejściem malarskim a graficznym. Głównym tematem jej ilustracji jest natura. Oprócz studiów z pasją pracuje jako niezależna ilustratorka i wykładowca sztuki dla dzieci.
"Jesteś kreatywny, pochodzisz z północnych Niemiec, masz 18-28 lat i chcesz zaprojektować ciężarówkę? W takim razie nasz projekt jest właśnie dla Ciebie".
Tymi słowami rozpoczęliśmy w zeszłym roku nasz pierwszy nabór wniosków na uniwersytetach w północnych Niemczech.
Szukaliśmy utalentowanych młodych artystów, którzy chcieliby nadać jednej z naszych ciężarówek wyjątkowy wygląd.
Kreatywne, kolorowe, niezwykłe - pomysły nie miały granic.
Fotograf Moritz Peters uczynił Zajadacza i samych pracowników w Neu Wulmstorf przedmiotem artystycznej obserwacji.
Na tej wystawie praca ludzi w Zajadaczu jest artystycznie przedstawiona. Widok z zewnątrz otwiera nowe perspektywy, to, co znane, ukazuje się w nowym świetle - codzienność staje się sztuką.
Moritz Peters jest fotografem z Hanoweru. Moritz studiował fotoreportaż i fotografię dokumentalną na Uniwersytecie Nauk Stosowanych i Sztuki w Hanowerze i pracuje jako niezależny fotograf. Specjalizuje się w dokumentach korporacyjnych, reportażach podróżniczych i fotografii portretowej, choć lubi też włączać do swoich prac eksperymentalne podejście.
Daniela Schulte jest nie tylko artystką, ale także zapaloną surferką. Morze służy jej jako osobisty punkt odniesienia i źródło inspiracji. Ruch fal, niekończąca się przestrzeń oceanu i potężny spokój natury są dynamicznie odzwierciedlone w jej tętniących życiem pracach.
Oprócz pracy jako artystka abstrakcyjna, często konsultuje się w dziedzinie projektowania wnętrz. Jako artystka widzi ścisły związek między sztuką a przestrzenią. Picasso powiedział kiedyś, że "sztuka zmywa z duszy kurz codziennego życia". Daniela Schulte podąża za tym credo i w swoich pracach skupia się na dopełnieniu pomieszczenia i nadaniu mu czegoś wyjątkowego.
Jej styl artystyczny charakteryzuje się żywą manierą, pasją do eksperymentowania i umiejętnością estetycznego łączenia różnych kolorów, materiałów i technik. Wyraża coś w subtelny sposób, tworzy niejednoznaczność i energetyzuje przestrzenie poprzez swoje prace.
Świat może być powierzchowny, Maria skupia się na szczegółach. Cytat: "Maluję to, czym wszyscy jesteśmy, ale nigdy nie moglibyśmy w pełni opisać słowami".
W połączeniu farby akrylowej, tuszu i farby w sprayu, prace Marii charakteryzują się płynnymi odcieniami niebieskiego i minimalistyczną grą z elementami organicznymi. Maluje wszystko, od kontenerów transportowych i płócien po fortepiany, które artystka z Hamburga postrzega jako odpowiednie uzupełnienie swoich kolorów.
Poprzez sztukę Maria zainteresowała się psychoanalizą i ściśle powiązanym z nią ruchem artystycznym surrealizmu. Swoje prace przedstawia jako "miłosny kontrast". Od 2023 roku artystka studiuje również psychologię i jest przekonana, że obie dziedziny rozwijają się dzięki inspirującej interakcji. Dziś Maria łączy niezależne malarstwo z nauką.
W ramach wspólnej wystawy "Creative Minded - A Vibrant Future" autorstwa Niklasa Stadlera i Antona Deyßa zorganizowaliśmy pierwszy wernisaż w siedzibie naszej firmy w lutym 2024 roku.
Oboje studiują gitarę jazzową i pokazali nam wszystkie swoje umiejętności, wykonując po jednym utworze. Naprawdę świetnie.
Wzięli w nim udział pracownicy Zajadacza, przyjaciele i rodzina dwójki młodych artystów, a także społeczność Neu Wulmstorf.
W swojej pracy fotograficznej Anton koncentruje się przede wszystkim na widokach i emocjach ludzi i ich otoczenia. Niezależnie od tego, czy jest to fotografia krajobrazowa, portretowa czy uliczna - jego celem jest stworzenie obrazu chwili.
Anton Deyß jest muzykiem i fotografem z Hamburga. Urodzony w 2003 roku Anton Deyß dorastał w Wentorf, na przedmieściach Hamburga, i zaczął grać na gitarze w wieku siedmiu lat. W młodości rozwinął stale rosnącą miłość do fotografii i od tego czasu poświęcił się zarówno muzyce, jak i fotografii. Po ukończeniu szkoły średniej spędził rok w Berlinie, aby przygotować się do studiów. Od lata 2022 roku ponownie mieszka i pracuje w Hamburgu.
W swojej pracy fotograficznej skupia się przede wszystkim na widokach i emocjach ludzi i ich otoczenia. Niezależnie od tego, czy jest to fotografia krajobrazowa, portretowa czy uliczna - jego celem jest stworzenie obrazu chwili. Używa aparatu, aby dokumentować i pielęgnować swoje otoczenie. Prawie wszystkie jego zdjęcia to prace zlecone dla odpowiednich artystów.
Niklas Stadler jest muzykiem i fotografem z Hamburga. Fascynacja Niklasa Stadlera fotografią rozpoczęła się we wczesnej młodości podczas podróży. Podróżował z przyjaciółmi przez Maroko, Włochy i Korsykę. Początkowo celem było uchwycenie wyjątkowych chwil. Szybko jednak fotografia stała się jego pasją i stałym towarzyszem. Z muzyką jako jego artystycznym domem, fotografia oferowała nowe możliwości eksperymentowania. Kiedy aparat jego rodziców został zniszczony przez niespodziewaną falę, jego pragnienie posiadania własnego wzrosło. Miał on stać się ważnym towarzyszem na nadchodzące lata. Z czasem narodził się pomysł oferowania innym studentom niedrogich, ale wysokiej jakości zdjęć do ich wystąpień w mediach. Zdjęcia z perspektywy muzyka - z pasją do estetyki i minimalizmu. Oferta została szybko dobrze przyjęta.
JazzHall Hamburg zatrudnił go jako swojego wewnętrznego fotografa. Wielcy muzycy, tacy jak Gilad Hekselman, John Clayton i Kurt Rosenwinkel, używali jego zdjęć do zapowiedzi tras koncertowych i grafiki.
"Muszę powiedzieć, że kocham kilka rzeczy: miłość do szczegółów - miłość do estetyki - miłość do emocji. Czasami zadaję sobie pytanie, kiedy obraz daje mi poczucie spokoju, energii lub ruchu? Prawie wszystko odkrywa się z czasem, ale to wymaga czasu". - Niklas Stadler
W 4 sierpniowych i 23 wrześniowych dniach byliśmy - z Clara Lotta Dittmer- kreatywni.
Podczas pierwszej sesji poznaliśmy historię sztuki i techniki malarskie oraz rozpoczęliśmy pierwsze próby malowania ołówkiem, węglem i pędzlem.
Na kolejnych 3 spotkaniach sprawy przybrały poważny obrót. Każdy z nas otrzymał płótno i fragment panoramicznego zdjęcia Hamburga. Zadanie polegało na przeniesieniu tego fragmentu zdjęcia na płótno, aby na koniec móc złożyć wszystkie 10 płócien w ogólny obraz. Uff! Udało się. :)
Vadim Batz podzielił się z nami specjalną wystawą. Jego wybór dywanów poliakrylowych był punktem rozmów w firmie.
Vadim Batz podzielił się z nami specjalną wystawą. Jego wybór dywanów poliakrylowych był punktem rozmów w firmie.
Jako bystry obserwator współczesnej kultury influencerów, pochodzący z Hamburga artysta Vadim Batz szybko zdał sobie sprawę, że ręcznie tkane dywany mogą być czymś więcej niż tylko hashtagiem na Instagramie. Urodzony w 1987 roku i wychowany w Astanii - Kazachstanie, wizualne środowisko Vadima łączy klony i kopie zachodnich bootlegów i kultury telewizyjnej, takich jak power rangers i żółwie ninja z kolorowymi dywanami - takimi, jakie można znaleźć w wielu postsowieckich domach do izolacji i dekoracji ścian i podłóg.
2009 - 2014 Licencjat z malarstwa / ilustracji, Uniwersytet Nauk Stosowanych w Hamburgu z prof. Alexandrą Kardinar
Jens Julich wystawiał u nas razem z Vadimem Batzem. Zaowocowało to wspólną pracą dla Zajadacza, patrz "Eikon od alfy do delty" po prawej. Dodaliśmy tę pracę do naszej kolekcji.
Jens Julich mieszka i pracuje w Hamburgu.
W latach 2009-2014 studiował licencjat z malarstwa / ilustracji na Uniwersytecie Nauk Stosowanych w Hamburgu pod kierunkiem prof.
Sanja Henning ma profesjonalne doświadczenie w terapeutycznej opiece zdrowotnej, co znajduje odzwierciedlenie w jej sztuce. Wykorzystuje swoją praktykę artystyczną do krytycznego badania tematów związanych ze zdrowiem, chorobą i bólem.
Jedną z jej najważniejszych prac jest seria rysunków, które traktują o ukrytej logice bólu. Rysunki artystki charakteryzują się szczególną dbałością o detale i intensywnością. Pokazują, jak ból może być często niewidoczny i nieopisywalny oraz jak trudno jest nam dzielić się naszymi doświadczeniami z innymi.
Kliknij tutajaby przeczytać wywiad z Sanją Henning.
Edukacja
od 2021 studia magisterskie w HfBK u Jorinde Voigt (specjalizacja malarstwo i rysunek) oraz na Uniwersytecie w Hamburgu
2021 Licencjat sztuk pięknych w HfBK i na Uniwersytecie w Hamburgu
2014 - 2015 studia niestacjonarne osteopatii w SKOM (jeszcze nie ukończone)
2008 - 2011 Szkolenie na fizjoterapeutę w Akademii Medycznej MAH HH
Urodzony 16 grudnia 1987 roku w Lüneburgu, mieszka i pracuje w Hamburgu.
"OUTPUT 2018"
Sanja Henning jest nie tylko artystką, ale także fizjoterapeutką. W ramach swojej pracy zajmuje się kobietami, które padły ofiarą przemocy seksualnej. Była szczególnie zainteresowana tym, jak kobiety odnajdują drogę powrotną do życia po takich doświadczeniach. Na podstawie wielu rozmów wykrystalizowały się powtarzające się wzorce w strategiach radzenia sobie, które zostały przedstawione w formie stereotypowych grup na gobelinie.
Pracując wyłącznie w czerni i bieli, Kyle Egret specjalizuje się w przedstawianiu improwizacji i struktury muzyki w sztuce. Używa muzyki jako ogólnego podejścia i metody pracy dla wszystkiego w swojej sztuce.
Jego prace obejmują różnorodne prace wizualne i graficzne, ale także zredukowane prace figuratywne. Używa różnych materiałów, takich jak papier, akryl i płótno.
Na stronie Kyle Egret strona internetowa można dowiedzieć się więcej o artyście i jego pracach.
Kliknij tutajaby przeczytać wywiad z Kylem Egretem.
Niekończące się rzędy regałów, najnowocześniejsza technologia i ciągła chęć wprowadzania innowacji charakteryzują hale logistyczne. Są one sercem firmy i w ciągu ostatnich kilku lat były stale rozbudowywane i modernizowane. Jesienią 2022 roku magazyn będzie jednak dostępny w zupełnie innym celu: koncert dla pracowników i firmy.
Dzięki Sidewalk Strings sześciu młodych muzyków podbija nieznane terytorium koncertowe i prezentuje nowoczesną mieszankę popu, jazzu i muzyki klasycznej. Z wiolonczelami, altówkami i skrzypcami, młodzi muzycy reprezentują dźwięk, który jest tak minimalistyczny, jak i pełny, i który można usłyszeć w każdym zakątku półek, nawet bez wzmocnienia. W repertuarze można znaleźć nordycki folk, soul i rock, a także "prawdziwą" muzykę klasyczną. Współczesna mieszanka, która sprawdza się równie dobrze w magazynach Zajadacza, jak i na największych światowych scenach.
Pierwsza wystawa plenerowa na terenie naszej firmy otworzyła nowe perspektywy. W miesiącach letnich na parkingu prezentowany był wybór prac młodych, wschodzących talentów. We współpracy z inicjatywą non-profit Fotobus e.V. dokonano wyboru spośród ponad 100 zgłoszeń od młodych studentów fotografii.
Wystawiliśmy 14 zdjęć z podpisami. Przekrój nadesłanych zdjęć, pokazujący co porusza młode talenty i jak artystycznie ujmują tematy na zdjęciach. Więcej informacji na https://www.fotobus-society.com/.
Świat stał się bardziej złożony. Zajmuje się tym również hamburska artystka Kasia Kohl, która poszukuje sensu w nowoczesnym, zaawansowanym technologicznie świecie. Intuicyjnie i agresywnymi gestami Kasia rozwija malarskie struktury, z których starannie opracowuje abstrakcyjne, asocjacyjne lub figuratywne elementy. Znikomość i złożoność postmodernizmu to powracające motywy dla młodej artystki, która postrzega nasze obecne czasy jako "postorganiczne". W tym kontekście człowiek rozpływa się i znika w wirtualnej i technicznej nieistotności.
Niektóre z jej prac powstały we współpracy z Söntke Campen.
Anaïs urodziła się w Marsylii, dorastała w Bremie i studiuje ilustrację na Uniwersytecie Nauk Stosowanych HAW w Hamburgu.
Jej zdjęcia przedstawiają miłosne migawki z jej własnej biografii. Anaïs nieustannie gromadzi spontaniczne fotografie w cyfrowym archiwum, starając się uchwycić to coś, co czyni chwile wyjątkowymi.
Anaïs miesza wpływy, odcienie i motywy z południa Francji, wyspy Reunion, Kalifornii i północnych Niemiec, tworząc etiudy nostalgii i abstrakcji. Mieszanka figuratywnych, abstrakcyjnych, malarskich i graficznych podejść opowiada historię oryginalnego "je ne sais quoi" i zaprasza do tworzenia własnych interpretacji. Instagram:anais_m.perier
W czasie pandemii koronawirusa granie na żywo i w kolorze było czasami niemożliwe, ale nikt nie chciał całkowicie rezygnować z muzyki. Ogłoszono erę koncertów online z kameralnymi wieczorami koncertowymi przed ekranem w domu, w tym dwukrotnie w Zajadaczu:
Program Grammophon Jazzband na rok 2021 był znacznie spokojniejszy, ale nie mniej klimatyczny. Trio z Hamburga poświęciło się relaksującemu lounge jazzowi. Felix Hoffmann na kontrabasie, Nicolas Börger na fortepianie i głos Nory Becker nadawali szczegółowe akcenty między stylami jazzu, soulu i popu.
Julius Schrank, urodzony w Bielefeld w 1984 r., jest fotografem, autorem, partnerem w agencji fotograficznej i założycielem firmy zajmującej się multimedialną komunikacją zagadnień związanych z klimatem i zrównoważonym rozwojem. Po ukończeniu szkolenia jako grafik, Julius studiował fotografię dokumentalną na Uniwersytecie Nauk Stosowanych i Sztuki w Hanowerze od 2007 roku.
W 2010 r. przeniósł się do Holandii, gdzie przez 7 lat podróżował po świecie jako fotoreporter gazety "De Volkskrant" lub w ramach własnych projektów. Jego prace zdobyły nagrodę World Press Photo Award i zostały opublikowane w wielu magazynach, takich jak GEO, Stern, ZEIT oraz w formie książki.
Obecnie mieszka ze swoją partnerką w Hamburgu i jest ojcem dwójki małych dzieci. Więcej informacji:www.juliusschrank.com
Tamina-Florentine Zuch, urodzona w 1990 r. w Stuttgarcie, jest fotografem, filmowcem i okazjonalną pisarką.
Ukończyła fotoreportaż i fotografię dokumentalną na Uniwersytecie Nauk Stosowanych i Sztuki w Hanowerze w 2017 r. Uwielbia podróżować pociągiem i wszędzie czuje się jak w domu, czy to jako prawdziwy włóczęga w pociągu przez Amerykę, z nomadami wędrującymi przez mongolski step, czy na stacjach kolejowych w Indiach. Prace Taminy są wystawiane na całym świecie i zostały uhonorowane m.in. nagrodą Zeiss Photography Award. Oprócz publikacji w magazynach takich jak GEO, Walden, NZZ i ZEIT, wydała również książkę o jednej ze swoich podróży pociągiem przez USA.
Obecnie mieszka w Hamburgu, skąd podróżuje po świecie z aparatem fotograficznym. Więcej informacji:www.tamina-florentine.com.
Agata Kosobucki i Maxim Gregorek zaprojektowali rzeźbę w ramach projektu w HfbK Hamburg. Rzeźba ma kształt kwadratu, do którego przymocowane są zwrócone materiały Zajadacza. Przezroczysty szklany sześcian sprawia wrażenie, jakby zwrócone części unosiły się w powietrzu. Napis "You belong" sugeruje wzajemne powiązania między zwróconymi materiałami a ludźmi, którzy mieli z nimi kontakt w kontekście ich pracy. Osoba staje się w ten sposób częścią dzieła sztuki. Zgodnie z tą metaforą, my, ludzie, również mamy negatywne wspomnienia lub doświadczenia związane z nami, analogiczne do zwróconych części. Musimy sobie z nimi poradzić, aby zrobić miejsce na coś nowego i pozytywnego.
- Bez uporania się z przeszłością nie ma przyszłościAgata Kosobucka "Moje zainteresowania artystyczne poświęcone są dysonansowi poznawczemu w strukturach i instytucjach społecznych. Pytania o to, jak żyjemy razem, są częścią moich badań i wpływają na wybór materiałów, których używam, głównie w instalacjach. Dzięki wcześniejszemu szkoleniu jako projektant marketingu wizualnego zainteresowałem się technikami multimedialnymi, po czym wyspecjalizowałem się w dziedzinie "mediów związanych z czasem" w HFBK w Hamburgu, gdzie ukończyłem studia licencjackie.
Równolegle ze sztuką studiuję na Uniwersytecie w Hamburgu na kierunku Edukacja Niewidomych i Niedowidzących i pracuję nad połączeniem tych dwóch dyscyplin."Maxim Gregorek Maxim Gregorek, urodzony w Hanowerze w 1994 roku, jest artystą mieszanych mediów, twórcą teatralnym i autorem, studiuje sztukę na Uniwersytecie Sztuk Pięknych w Hamburgu. W swoich pracach Maxim Gregorek bada tematy tożsamości i związane z nimi pytania: Skąd pochodzimy? Dokąd chcemy iść? W centrum jego prac znajduje się człowiek, który jest zarówno producentem, jak i konsumentem, a tym samym kształtuje i nieustannie przekształca tożsamość. Jednostka jest produktem swojej historii, aktorem swojej teraźniejszości i twórcą swojej przyszłości.
Stephan Hohenthanner prezentował już swoje prace na terenie Zajadacza. Oprócz pracy jako artysta wizualny, specjalizuje się w wielkoformatowych pracach plenerowych, które odzwierciedlają jego zamiłowanie do graffiti i sztuki ulicznej. W ramach serii "Sztuka i kultura" opracował koncepcję artystycznego udoskonalenia funkcjonalnego, ale nudnego wyglądu transformatorowni.
Opiera się on na głosowaniu, w którym pracownicy Zajadacza przedstawili specyfikację projektu, dzięki czemu mogli bezpośrednio uczestniczyć w procesie twórczym. Wynikiem głosowania była "kolorowa elektryczność". Przy użyciu pędzli, farb i puszek ze sprayem stworzono kilka fotorealistycznych obrazów, które stanowią delikatną równowagę między sztuką uliczną a nowoczesnym malarstwem. Od tego czasu transformatorownia lśni kolorami firmy Zajadacz i stanowi połączenie nowoczesnej sztuki ulicznej z funkcjonalnym rdzeniem firmy.
Dla malarza Stephana Hohenthannera sztuka była fundamentalną stałą w jego życiu od najmłodszych lat. Zaczął rysować jako dziecko, spędzał całe dnie na doskonaleniu swojej techniki i wcześnie stał się znakomitym malarzem. W młodości intensywnie angażował się w sztukę uliczną i ostatecznie zdecydował się studiować sztukę na HAW w Hamburgu pod kierunkiem profesora Christiana Hahna.
Dla Stephana Hohenthannera sztuka jest zarówno badaniem, jak i ciągłym dążeniem do poszerzania horyzontów - zarówno technicznych, jak i osobistych. Błyszczy jasnym i przenikliwym okiem, którego używa do tworzenia precyzyjnych i osobistych konstrukcji rzeczywistości.
Jego prace zostały uhonorowane 12. Nagrodą Elizejską w dziedzinie malarstwa realistycznego w 2022 roku. Stephan Hohenthanner mieszka i pracuje w Hamburgu.
Isabel Roos jest niezależną artystką i ilustratorką. Jej prace są pod silnym wpływem natury i nauki, a flora i fauna odgrywają w nich kluczową rolę. W swoim procesie twórczym eksploruje szerokie spektrum kolorów i łączy abstrakcyjne i konkretne formy. Używa zarówno technik analogowych, jak i cyfrowych, które harmonijnie łączy. Rezultatem jest język wizualny, którego symbioza tworzy harmonijny i spójny ogólny obraz.
W czasie pandemii koronawirusa granie na żywo i w kolorze było czasami niemożliwe, ale nikt nie chciał całkowicie rezygnować z muzyki. Ogłoszono erę koncertów online z kameralnymi wieczorami koncertowymi przed ekranem w domu, w tym dwukrotnie w Zajadaczu:
Pewnego wieczoru w 2020 roku gitarzysta Justin Assiamah-Nicksteit nie tylko grał jednocześnie na gitarze i perkusji, ale także przez dwie godziny tworzył duet Soulmates wraz z piosenkarką Vereną Heinz. Taneczny soul pop, urzekający głos i mnóstwo groove'u, który bardzo dobrze sprawdził się również na drugim końcu ekranu.
Jonathana Esperestera można określić mianem nowoczesnego gawędziarza. Mieszkający w Berlinie artysta freelancer czerpie inspirację do swoich prac z prywatnego archiwum fotograficznego, które jest zasilane materiałami zebranymi przez trzy pokolenia.
Jego narracje wykorzystują środki klasycznego malarstwa na różnych powierzchniach. Używa zarówno drewna, jak i PCV, płótna czy papieru. Powierzchnie są następnie przerabiane. Poprzez cięcie, drapanie lub klejenie, młody artysta tworzy styl przypominający kolaż, który przenosi złożoność nowoczesności do ponadczasowego medium malarstwa.
Na swojej pięknie zaprojektowanejstronie internetowejmożna dowiedzieć się więcej o artyście i jego pracach. Kliknij tutajaby przeczytać wywiad z Jonathanem.
Clara Lotta Dittmer, urodzona w Hamburgu w 1992 roku, studiowała malarstwo w HAW Hamburg pod kierunkiem profesora Christiana Hahna i profesora Henninga Klesa. Spędziła również semestr za granicą w Accademia di Belle Arti di Bologna we Włoszech, gdzie zdobyła nagrodę specjalną Arte Laguna na Arsenale di Venezia w 2019 roku.
Clara poświęca się w szczególności malarstwu olejnemu i urzeka intymnymi portretami, ożywczymi scenami z życia codziennego i eksperymentami kolorystycznymi. Artystka jest również utalentowaną wiolonczelistką.
Połączenie obu pasji stanowi dla niej idealne połączenie działań artystycznych.Na stronie Clarystronie internetowejmożna dowiedzieć się więcej o artystce i jej pracach. Wywiad z Clarą Lottą Dittmer.
